Exposicion de la Artesania Contemporanea de Japon

by Museo de Arte Contemporaneo
(Santa Cruz de la Sierra, Bolivia)


Del 30 de octubre al 24 de noviembre en la Casa de la Cultural Raul Otero Reiche, Plaza Principal, Santa Cruz Bolivia.


La muestra “Artesanía Contemporánea de Japón”, pertenece a la Fundación Japón y se exhibe por primera vez en América Latina, lo que nos tiene muy contentos, pues llega precedida de excelentes críticas tras su paso por Suecia, Dinamarca y Ucrania, entre algunos de sus destinos más recientes.

Esta exposición se compone de sesenta y cuatro piezas que sintetizan en una muy buena forma tanto las variadas técnicas, como los motivos de inspiración más frecuentes en los objetos decorativos de Japón a lo largo de la historia. Aquí, cada obra es irrepetible y ha nacido gracias a la creación única de un hombre o una mujer del Japón de hoy. Sobre todo, destaca la presencia de piezas de tres artistas que en Japón han sido nombrados “Tesoros Nacionales Vivientes”. Esta importante distinción es otorgada por el Gobierno del Japón a quienes desarrollan un trabajo excepcional, que permite cultivar y preservar las artes de nuestro país.

La exposición abre la posibilidad de ir incluso más allá de los objetos mismos. Por ejemplo, permite plantearse la relación que existe entre la creación artística con el diseño majestuoso y las técnicas de excelencia. Sin ir más lejos, a los avances tecnológicos de punta, también se les conoce como “estados de arte”, que viene de la expresión inglesa “state of the art”, por lo que es posible que en los artículos aquí exhibidos, aún siendo elementos puramente decorativos, podamos encontrar puntos de encuentro con este otro referente tan característico de Japón, como es la tecnología de última generación.

En japonés en tanto, utilizamos la expresión “Takumi no Waza” cuando nos referimos a la obra de los maestros que emplean las grandes técnicas y hacen de su trabajo algo sublime, ya sea en términos artísticos o en otro tipo de creación más tecnológica; esperamos que se pueda experimentar y descubrir tan especial sensación al contemplar cada una de las piezas.

A continuación, se detallan las categorías de los artículos exhibidos, lo que permite una mayor comprensión y apreciación de cada objeto:

Entre las piezas que conforman la muestra hay algunas que representan la “ostentación” como motivo de inspiración artístico. Sucede que una de las mayores características del arte japonés es el uso de colores ostentosos como de oro y plata. Esto no significa que sean usados simplemente en grandes cantidades, sino que más bien son empleados en una variedad de técnicas especiales, como la aplicación de hojas de oro o plata, la salpicadura de polvo de oro o plata y la incrustación de líneas de oro o plata. En vez de utilizar el metal como un material básico, éste es comprendido y usado como uno de múltiples colores. También, en muchos casos, el oro y la plata son usados junto con otros tonos, como el bermellón, suaves o profundos verdes o naranjo, para lograr únicas y hermosas combinaciones. Es un ejemplo de la sensibilidad al color de los japoneses, que también se puede apreciar en las pinturas de Yamato-e. Estos colores son usados independientemente algunas veces y otras junto con otros tonos. Aunque estos son ostentosos, la intención no es simplemente expresar el poder crudo de los elementos de oro y plata, más bien hay una profundidad que sugiere suavidad y dulzura.

Por otra parte hay otras creaciones que, en directo contraste con el uso de colores ostentosos, destacan por su “refinamiento silencioso”, en que se usa la simplicidad para crear un sentimiento de serenidad. La expresión concreta de muchas artesanías japonesas está marcada por un énfasis directo en las propiedades de los propios materiales y en una silenciosa austeridad. Los ejemplos incluyen alfarería vibrante (con la sensación de la arcilla), artesanías de madera fresca (con la sensación de la madera natura)l, teteras de metal con patina y objetos con el suave toque de las superficies lacadas. En cada uno de estos casos, el resultado estético es el opuesto de poder o brillo. Los principales elementos son la calma, austeridad, colores intermedios y suaves, superficies con texturas mate y una tranquila y orgánica composición lineal.

Otro grupo de creaciones destaca por su “nitidez”. Sucede que la artesanía japonesa vivió un desarrollo significativo en el período que se extiende de los finales del Taisho hasta los inicios de la era del Showa (1920-1930). Se convirtió en una forma de arte contemporáneo y, con su movimiento hacia lo contemporáneo, llegó la introducción de nuevas ideas artísticas desde Europa. En particular, la influencia de tendencias como el Art Deco y el Constructivismo condujeron a la creación de un gran número de obras que consisten en la combinación de líneas rectas y círculos, entre otros. Actualmente, muchas obras van más allá de la utilización de líneas y planos geométricos y son también avivadas con una estructura más orgánica que contiene elementos así como bordes fuertes y afilados. Semejantes obras dejan una clara expresión de la sensibilidad contemporánea. Igualmente, los colores tienen una tendencia similar que va hacia tonos fuertes.

Un cuarto elemento que se rescata en la muestra es el cuidado por los “finos detalles”. A menudo se dice que una de las principales características de la artesanía japonesa está en sus detalles finos. El énfasis en la técnica alcanza su cúspide en el período Edo, pero no se puede negar que el cumplimiento técnico ha sido importante desde un comienzo. Actualmente, las obras exhiben una mano de obra de intrincado trabajo que es más numeroso en las artesanías tradicionales. Esta tendencia puede verse en un amplio rango de campos, por ejemplo, en el expresivo diseño de los patrones decorativos. En muchos de los mejores logros técnicos de este tipo, las habilidades del artista le imparten a la obra belleza estética y alta calidad.

Otra importante característica de la artesanía Japonesa, es la introducción intencional de “deformación” en la creación de cuencos y similares. Al destruir las formas perfectas, como círculos o cuadrados, aparece una forma en que la belleza estaba escondida tras la perfección, la belleza que no puede ser alterada por la razón. De esta forma se expresa una visión especial del arte Japonés, que no es accesible por la vía racional de la cultura Occidental. La deformación, como una expresión de belleza, a menudo se puede apreciar en utensilios para el té. Sin embargo, actualmente, esta expresión no se limita solo a estos artículos: las muestras más generales de la deformación pueden encontrarse en artesanías creadas como formas de autoexpresión por parte del artista.

Como última categoría, se encuentran los diseños de “flores y aves”, que se emplean en las artesanías desde tiempos remotos. En particular, el uso de representaciones de objetos naturales como flores y pájaros como técnica de decoración ha sido muy común en China y Japón, sin embargo, incluso los motivos tradicionales, reflejan el temperamento artístico de las épocas. De esta manera en el arte contemporáneo, flores y aves son expresados de una forma igualmente contemporánea. Es decir, en vez de motivos conceptuales, uno distingue diseños creativos, basados en bocetos extraídos de la vida o quizás un uso único del color que refleja la individualidad del artista. Esta decoración es ejecutada con técnicas y tratamiento del color que permiten que el atractivo de los materiales usados sea expresado en su totalidad.

Con todo lo arriba mencionado, consideramos que la exposición “Artesanía Contemporánea de Japón” que se realiza en instalaciones del Museo Nacional de Etnografía y Folklore (MUSEF), ofrece una gran oportunidad de intercambio cultural entre Bolivia y Japón.

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